England - vom Nachzügler zur Ballettnation
England hatte lange keine eigene Ballett-Tradition. Noch Anfang des 20. Jahrhunderts tanzten auf Londoner Bühnen vor allem ausländische Stars, allen voran Diaghilews Ballets Russes. Das änderte sich mit Ninette de Valois. Die gebürtige Irin, eigentlich Edris Stannus, hatte ab 1923 selbst bei den Ballets Russes getanzt und wusste, wie eine erstklassige Kompagnie arbeitet. 1926 gründete sie in London eine eigene Ballettschule und gewann die Theaterleiterin Lilian Baylis für ihre Pläne. Als Baylis 1931 das Sadler’s Wells Theatre wiedereröffnete, entstanden dort mit dem Vic-Wells Ballet und seiner Schule die Vorläufer des heutigen Royal Ballet und der Royal Ballet School. 1935 holte de Valois Frederick Ashton als Chefchoreografen und in diesen Jahren wuchs mit Margot Fonteyn die erste große englische Ballerina heran. Eine zweite Talentschmiede baute Marie Rambert mit ihrer Kompagnie auf.
Während des Krieges reiste die Kompagnie, inzwischen Sadler’s Wells Ballet genannt, durch ganz England und machte sich so landesweit einen Namen. Der große Aufbruch kam unmittelbar nach dem Krieg: Am 20. Februar 1946 wurde das Royal Opera House in Covent Garden mit „Dornröschen“ wiedereröffnet, mit Margot Fonteyn als Aurora. Die Kompagnie wurde dort festes Ensemble. Für das Sadler’s Wells Theatre gründete de Valois im selben Jahr eine zweite Truppe, die später vor allem auf Tournee ging und 1990 als Birmingham Royal Ballet nach Birmingham zog. 1949 gastierte das Sadler’s Wells Ballet erstmals in New York. Die Eröffnungsvorstellung mit „Dornröschen“ an der Metropolitan Opera wurde ein Triumph und machte Fonteyn zum internationalen Star.
1950 gründeten Alicia Markowa und Anton Dolin, beide früher Stars der Ballets Russes, das Festival Ballet. Es sollte Ballett zu erschwinglichen Preisen im ganzen Land zeigen und heißt seit 1989 English National Ballet. 1956 erhielten die beiden Kompagnien und die Schule von Sadler’s Wells durch Königin Elisabeth II. eine Royal Charter. Seitdem heißen sie Royal Ballet und Royal Ballet School. Innerhalb von nur 25 Jahren war England damit vom Nachzügler zu einer der führenden Ballettnationen geworden.
Frederick Ashton und Kenneth MacMillan
Zwei Choreografen prägten das englische Ballett nach 1945 besonders:
Frederick Ashton (1904–1988) wurde in Ecuador geboren und wuchs in Peru auf. Dort sah er 1917 Anna Pawlowa tanzen und beschloss, Tänzer zu werden. In England schuf er 1926 bei Marie Rambert sein erstes Ballett, 1935 holte ihn Ninette de Valois als Chefchoreografen an ihre Kompagnie. Ashton entwickelte einen eleganten, musikalischen und oft humorvollen Stil, der bis heute als typisch englisch gilt. Seine wichtigste Interpretin war Margot Fonteyn. Mit „Cinderella“ (1948) schuf er das erste abendfüllende Ballett einer englischen Kompagnie, zugleich die erste Inszenierung von Prokofjews Musik im Westen. Seine Ballettkomödie „La Fille mal gardée“ (1960) mit dem berühmten Holzschuhtanz wird bis heute weltweit getanzt. 1962 wurde Ashton zum Ritter geschlagen. 1963 übernahm er von de Valois die Leitung des Royal Ballet und blieb bis 1970. Ebenfalls 1963 entstand „Marguerite and Armand“ für Margot Fonteyn und Rudolf Nurejew. Das Paar Fonteyn/Nurejew wurde zu einem der berühmtesten der Ballettgeschichte.
Kenneth MacMillan (1929–1992) stand für die dramatische, psychologisch tiefgehende Seite und scheute auch Themen wie Gewalt, Sexualität und Tod nicht, die im klassischen Ballett ungewohnt waren. Sein „Romeo und Julia“ hatte er gemeinsam mit Lynn Seymour und Christopher Gable erarbeitet. Die Uraufführung am 9. Februar 1965 tanzten jedoch auf Druck des amerikanischen Tourneeveranstalters Sol Hurok Fonteyn und Nurejew. Das Publikum feierte sie mit 43 Vorhängen, und das Ballett wurde zum Aushängeschild des Royal Ballet. Für MacMillan war die Umbesetzung eine bittere Enttäuschung. Im selben Jahr wollte er ein Ballett zu Gustav Mahlers „Das Lied von der Erde“ schaffen. Die Leitung des Royal Opera House lehnte ab, weil sie die Musik für ungeeignet hielt. Daraufhin holte John Cranko das Werk nach Stuttgart, wo es im November 1965 uraufgeführt wurde. Nach dem großen Erfolg übernahm das Royal Ballet es schon im folgenden Jahr. Von 1966 bis 1969 leitete MacMillan das Ballett der Deutschen Oper Berlin, von 1970 bis 1977 dann das Royal Ballet. Weitere große Handlungsballette wie „Manon“ (1974) und „Mayerling“ (1978) folgten. MacMillan starb im Oktober 1992 an einem Herzinfarkt im Royal Opera House, am Premierenabend einer Neueinstudierung von „Mayerling“.
Ausbildung mit weltweiter Bedeutung
Neben der Royal Ballet School prägt eine zweite englische Einrichtung den Ballettunterricht bis heute weltweit: die Royal Academy of Dance, kurz RAD. Ihre Geschichte beginnt mit einem Missstand. Anfang des 20. Jahrhunderts gab es in Großbritannien keine einheitliche Ballettausbildung, und viele, die Ballett unterrichteten, waren dafür kaum qualifiziert. Um das zu ändern, lud Philip Richardson, Herausgeber der Zeitschrift „Dancing Times“, am 18. Juli 1920 führende Tanzkünstler zu einem Abendessen ein. Unter den Gästen waren fünf, die jeweils eine der damals wichtigsten Ballettschulen vertraten: Phyllis Bedells die englische, Lucia Cormani die italienische, Edouard Espinosa die französische, Adeline Genée die dänische Schule nach Bournonville und Tamara Karsavina die russische. Gemeinsam wollten sie dafür sorgen, dass Ballett überall nach soliden Grundsätzen unterrichtet wird.
Aus diesem Treffen ging am 31. Dezember 1920 die „Association of Teachers of Operatic Dancing of Great Britain“ hervor („Operatic Dancing“ war damals die englische Bezeichnung für Ballett). Erste Präsidentin wurde die gefeierte Tänzerin Adeline Genée und schon drei Monate nach der Gründung fanden die ersten Prüfungen statt. 1928 übernahm Queen Mary die Schirmherrschaft und 1935 genehmigte König Georg V. eine Royal Charter, die 1936 besiegelt wurde - seitdem trug der Verband den Namen „Royal Academy of Dancing“. Seinen heutigen Namen „Royal Academy of Dance“ führt er seit dem Jahr 2000.
An der Spitze der Akademie standen immer große Namen des Balletts. 1954 löste Margot Fonteyn Adeline Genée als Präsidentin ab und blieb bis zu ihrem Tod 1991 im Amt. Unter ihr wuchs die RAD weit über Großbritannien hinaus, und 1968 entstand unter ihrer Mitwirkung ein neuer Lehrplan für Kinder, auf dem die unteren Prüfungsstufen bis heute aufbauen. Ihr folgten Antoinette Sibley und 2012 Darcey Bussell, beide frühere Ballerinen des Royal Ballet.
Die Idee von 1920, Ballett nach einem einheitlichen, aufeinander aufbauenden Lehrplan mit Prüfungen zu unterrichten, hat sich weltweit durchgesetzt. Jedes Jahr legen rund eine Viertelmillion Schülerinnen und Schüler in über 80 Ländern RAD-Prüfungen ab. Daneben bildet die Akademie Ballettlehrerinnen und Ballettlehrer aus, seit 1992 auch in Studiengängen mit Hochschulabschluss. Der Vollständigkeit halber sei an dieser Stelle die für den heutigen Unterricht ebenso bedeutende russische Waganowa-Methode erwähnt, benannt nach der Ballettpädagogin Agrippina Waganowa (1879–1951).
Der moderne Tanz kommt nach England
Bis in die 1960er Jahre war Großbritannien ein reines Ballettland. Den Anstoß für eine Wende gab ein begeisterter Zuschauer: Der Hotelier und Kunstsammler Robin Howard erlebte 1954 die Martha Graham Dance Company in London. 1963 überredete er Graham, beim Edinburgh Festival und in London erneut aufzutreten. Danach bot er Kurse in Graham-Technik an und gründete 1966 die London Contemporary Dance School. Als künstlerischen Leiter holte er Robert Cohan, einen Tänzer aus Grahams Kompagnie, der 1967 das London Contemporary Dance Theatre aufbaute, die erste Kompagnie für zeitgenössischen Tanz in Großbritannien. 1969 bezogen Schule und Kompagnie eine ehemalige Exerzierhalle der Armee nahe dem Bahnhof Euston und nannten sie „The Place“. Bis heute ist The Place ein Zentrum des britischen Tanzes.
Ebenfalls 1966 erfand sich das traditionsreiche Ballet Rambert neu. Auf Anregung des Choreografen Norman Morrice wurde aus der klassischen Tourneekompagnie ein kleines Ensemble, das neue Werke mit moderner Technik tanzte. Aus den eigenen Reihen kam Christopher Bruce, der Ballett und Graham-Technik verband und die Kompagnie später selbst leitete. Seit 1987 heißt sie Rambert Dance Company, seit 2013 nur noch Rambert.
Ab Mitte der 1970er Jahre wandten sich jüngere Künstlerinnen und Künstler auch gegen diese neuen Institutionen. Das Londoner Kollektiv X6 (1976–1980) lehnte die starren Hierarchien von Ballett und etabliertem modernem Tanz ab und wurde zum Kern der britischen „New Dance“-Bewegung. 1986 gründete der Australier Lloyd Newson die Kompagnie DV8 Physical Theatre. Statt abstrakter Bewegung zeigte sie körperbetontes Tanztheater zu gesellschaftlichen und politischen Themen.
Prägend für die folgenden Jahrzehnte wurde Richard Alston (1948–2026). Er leitete ab 1986 Rambert und von 1994 bis 2018 The Place, wo seine eigene Kompagnie auf das 1994 aufgelöste London Contemporary Dance Theatre folgte. 1995 sorgte Matthew Bourne mit einem „Schwanensee“ für Aufsehen, in dem Männer die Schwäne tanzen. Wie durchlässig die Grenze zwischen Ballett und modernem Tanz in England inzwischen ist, zeigt Wayne McGregor: Er kommt aus dem zeitgenössischen Tanz und ist seit 2006 Hauschoreograf des Royal Ballet. Mit Choreografen wie Akram Khan und dem in Israel geborenen Hofesh Shechter hat sich London zu einem internationalen Zentrum des zeitgenössischen Tanzes entwickelt.
Frankreich - Tradition und Aufbruch
Anders als bei anderen alten Ballettnationen endet die Bedeutung Frankreichs nicht mit dem 19. Jahrhundert. Frankreich gilt als Mutterland des klassischen Balletts: Hier wurde das Ballett im 17. Jahrhundert unter Ludwig XIV. zur Kunstform, und deshalb sind die Fachbegriffe bis heute französisch – vom Plié bis zum Grand jeté. Das Ballett der Pariser Oper ist das älteste noch bestehende Ballettensemble der Welt, seine Ballettschule besteht seit 1713. Bis heute pflegt das Haus eine strenge Rangordnung: Vom „Quadrille“ über „Coryphée“ und „Sujet“ bis zum „Premier Danseur“ steigen die Tänzerinnen und Tänzer traditionell über interne Wettbewerbe auf. Den höchsten Rang, „Danseur Étoile“ (Stern), vergibt allein die Direktion.
Nach 1945 begann für die Pariser Oper ein Neuanfang mit einer schweren Hypothek: Serge Lifar, seit 1930 Ballettmeister des Hauses, hatte die Kompagnie in den 1930er Jahren wieder zu Weltgeltung geführt. Er hatte auch durchgesetzt, dass an der Oper ganze Ballettabende stattfanden, statt Ballett nur als Einlage in Opern zu zeigen. Während der deutschen Besatzung war er jedoch in Kontakt mit den Besatzern geblieben. Nach der Befreiung wurde er deshalb verurteilt und vorübergehend vom Dienst suspendiert. Erst 1947 kehrte er zurück und leitete das Ballett noch bis 1958.
Gleichzeitig suchte eine junge Generation von Tänzerinnen und Tänzern neue Wege außerhalb der Oper. Sie gründeten eigene, oft kurzlebige Kompagnien, arbeiteten mit Malern, Dichtern und Komponisten zusammen und machten Paris in den Nachkriegsjahren zu einem der lebendigsten Orte für neues Ballett.
Roland Petit und Maurice Béjart
Die spannendsten Impulse für das französische Ballett der Nachkriegszeit kamen von zwei Choreografen, die ihre eigenen Wege außerhalb der Pariser Oper gingen.
Roland Petit (1924–2011) war der Sohn von Rose Repetto, auf die die heute bekannte Ballettschuh-Marke zurückgeht. Er wurde an der Ballettschule der Pariser Oper ausgebildet und tanzte ab 1940 im Corps de ballet. 1944 verließ er das Haus, um selbst zu choreografieren, und gründete schon im folgenden Jahr mit erst 21 Jahren die „Ballets des Champs-Élysées“. Petit verstand Ballett als Theater: Er arbeitete eng mit Dichtern wie Jean Cocteau und Jacques Prévert sowie mit bildenden Künstlern zusammen. Sein „Le Jeune Homme et la Mort“ (1946), nach einer Idee von Cocteau, gehört bis heute zu den eindrucksvollsten Kurzballetten des 20. Jahrhunderts. 1948 gründete er die „Ballets de Paris“. Für sie schuf er „Carmen“ (1949), das seine spätere Frau Zizi Jeanmaire über Nacht berühmt machte. Zwanzig Jahre nach seinem Weggang holte ihn die Pariser Oper zurück: 1965 entstand dort sein „Notre-Dame de Paris“. 1970 übernahm er sogar die Leitung des Balletts der Oper, trat aber schon nach sechs Monaten wieder zurück. 1972 übernahm Petit auf Einladung des Bürgermeisters Gaston Defferre das Ballett in Marseille, das er als Ballet National de Marseille 26 Jahre lang leitete. Für Aufsehen sorgte gleich zu Beginn sein „Pink Floyd Ballet“, das die Rockband live begleitete. 1992 gründete er in Marseille zudem eine eigene staatliche Ballettschule. Insgesamt schuf er rund 170 Ballette, von denen viele bis heute zum Repertoire großer Kompagnien gehören.
Maurice Béjart (1927–2007), eigentlich Maurice-Jean Berger, in Marseille geboren, tanzte zunächst in verschiedenen Kompagnien, unter anderem bei Roland Petit, und gründete 1953 eine eigene Truppe. Den Durchbruch brachte 1959 seine Fassung von Strawinskys „Le Sacre du printemps“ am Théâtre Royal de la Monnaie in Brüssel. Ein Jahr später gründete er dort das „Ballet du XXe Siècle“, das mit Welttourneen internationalen Ruhm erlangte. Béjart setzte auf große, kraftvolle Bilder, auf starke Männerrollen und auf Musik aller Epochen, von Beethoven über Ravel bis zu Stockhausen. Sein „Boléro“ (1961) wurde zu einem der bekanntesten Ballette überhaupt. Weitere große Erfolge waren die „Messe pour le temps présent“ (1967) und „Der Feuervogel“ (1970). Als erste Ballettkompagnie trat sein Ensemble beim Theaterfestival in Avignon auf. Béjart füllte Sportarenen und Festivalbühnen und machte das Ballett damit einem Massenpublikum zugänglich. Wichtig war ihm auch die Ausbildung: In Brüssel gründete er die Schule „Mudra“, mit „Mudra-Afrique“ in Dakar sogar einen Ableger im Senegal, später in Lausanne die Schule „Rudra“. 1987 verließ er nach einem Streit mit dem neuen Intendanten der Brüsseler Oper die belgische Hauptstadt. Seine Kompagnie zog in die Schweiz und besteht dort bis heute als Béjart Ballet Lausanne.
Rudolf Nurejew
Kaum ein Tänzer hat das Ballett der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts so geprägt wie Rudolf Nurejew (1938–1993) – und für das französische Ballett wurde er zu einer Schlüsselfigur. Seine Geschichte im Westen begann in Paris: Ausgebildet in Leningrad, war er Solist des Kirow-Balletts, als er 1961 während eines Gastspiels in Paris am Flughafen Le Bourget um politisches Asyl bat. Mit gerade einmal 23 Jahren wurde er über Nacht zur Legende – und zum Symbol für die Freiheit der Kunst im Kalten Krieg.
Im Westen tanzte Nurejew zunächst beim Ballett des Marquis de Cuevas, dann vor allem beim Royal Ballet in London. Dort fand er in der fast zwanzig Jahre älteren Margot Fonteyn seine ideale Partnerin. Nurejew veränderte mit seinem Tanz das Bild des männlichen Tänzers: Mit seiner Kraft, Leidenschaft und Bühnenpräsenz befreite er den Mann im Ballett aus der Rolle des bloßen Partners der Ballerina.
Nach Paris kehrte er immer wieder zurück, als Gast und als Choreograf, etwa mit „Manfred“ (1979) für die Pariser Oper. 1983 wurde er schließlich Ballettdirektor des Hauses und blieb es bis 1989. Ungewöhnlich war, dass er dabei weiter selbst auf der Bühne stand – er bekam ausdrücklich das Recht, in jeder Spielzeit rund 40 Vorstellungen zu tanzen.
In diesen sechs Jahren hat Nurejew das Ballett der Pariser Oper grundlegend erneuert. Er verband die französische Eleganz des Hauses mit der Kraft und Virtuosität der russischen Schule, in der er selbst ausgebildet worden war. Er brachte die großen Klassiker in eigenen, technisch äußerst anspruchsvollen Fassungen nach Marius Petipa heraus, darunter „Raymonda“ (1983), mit der er seine Amtszeit eröffnete, „Schwanensee“ (1984), „Der Nussknacker“ (1985) und „Dornröschen“ (1989). Diese Fassungen bilden bis heute das Rückgrat des klassischen Repertoires der Pariser Oper. Zugleich öffnete er das Haus für zeitgenössische Choreografen wie Lucinda Childs, Twyla Tharp und William Forsythe, dessen „In the Middle, Somewhat Elevated“ (1987) auf seine Einladung entstand.
Vor allem aber förderte er eine neue Generation französischer Tänzerinnen und Tänzer, darunter Sylvie Guillem und Patrick Dupond, und verschaffte der Kompagnie weltweit neues Ansehen. Auch die bis heute gepflegte Tradition, neue Étoiles direkt nach einer Vorstellung auf offener Bühne vor ihrem Publikum zu ernennen, geht auf ihn zurück.
Im August 1989, einen Monat nach der Eröffnung der neuen Opéra Bastille, legte Nurejew sein Amt nieder. Bereits schwer an AIDS erkrankt, brachte er 1992 an der Pariser Oper mit „La Bayadère“ sein letztes Ballett heraus. Er starb am 6. Januar 1993 in Paris.
Die Nouvelle danse française
Während das Ballett an der Pariser Oper seine Tradition pflegte, entstand in Frankreich ab den 1970er Jahren eine ganz andere Tanzszene. Wichtige Anstöße kamen aus den USA. 1974 holte Operndirektor Rolf Liebermann die Amerikanerin Carolyn Carlson, eine frühere Solistin bei Alwin Nikolais, als „étoile-chorégraphe“ an die Oper, ein eigens für sie geschaffener Titel. Mit ihrer Forschungsgruppe GRTOP arbeitete sie bis 1980 mitten im Opernhaus experimentell. Viele Ballettliebhaber waren empört, doch für junge französische Tänzerinnen und Tänzer wurde Carlson zum Vorbild.
Ein zweites Sprungbrett lag in der Pariser Vorstadt Bagnolet. Dort hatte der ehemalige Tänzer Jaque Chaurand 1969 den Wettbewerb „Le Ballet pour demain“ ins Leben gerufen, um jungen Choreografen eine Bühne zu geben. Lange nahm der Staat kaum Notiz davon, doch in den 1970er und frühen 1980er Jahren traten hier fast alle hervor, die später die neue französische Tanzszene prägten: Dominique Bagouet, Maguy Marin, Jean-Claude Gallotta, Régine Chopinot, Karine Saporta, Philippe Decouflé und Angelin Preljocaj.
Den Durchbruch brachte die Politik. Nach dem Wahlsieg François Mitterrands 1981 wurde Jack Lang Kulturminister. 1984 schuf er die ersten Centres chorégraphiques nationaux (CCN), staatlich und regional finanzierte Choreografiezentren. Damit konnten Choreografen erstmals dauerhaft mit eigenen Ensembles arbeiten, und zwar nicht nur in Paris, sondern im ganzen Land. Heute gibt es 19 solcher Zentren.
So entstand ein Tanz der Autoren: Jeder Choreograf entwickelte seine eigene, unverwechselbare Sprache, und im Ausland galten die Werke bald als typisch französisch. Dominique Bagouet (1951–1992), zuvor Tänzer bei Béjart, ließ sich in Montpellier nieder und leitete 1981 das neu gegründete Festival Montpellier Danse. Jean-Claude Gallotta gelang in Grenoble 1981 mit „Ulysse“, einem verspielten Ballett aus klassischen und modernen Elementen, der internationale Durchbruch. Im selben Jahr schuf Maguy Marin in Créteil „May B“ nach Figuren von Samuel Beckett, bis heute eines der meistgespielten Werke des zeitgenössischen Tanzes. Régine Chopinot arbeitete unter anderem mit dem Modeschöpfer Jean-Paul Gaultier zusammen und leitete ab 1986 das Zentrum in La Rochelle. Philippe Decouflé, der vom Zirkus kam, inszenierte 1992 die Eröffnungs- und Schlussfeier der Olympischen Winterspiele in Albertville. Angelin Preljocaj gründete 1985 seine Kompagnie. Seit 1996 ist das Ballet Preljocaj in Aix-en-Provence zu Hause, seit 2006 in einem eigenen Tanzhaus, dem Pavillon Noir. Dass mehrere seiner Werke auch zum Repertoire des Balletts der Pariser Oper gehören, zeigt, wie nah sich Ballett und zeitgenössischer Tanz in Frankreich gekommen sind.
In den 1990er Jahren stellte die nächste Generation, die oft selbst noch bei diesen Choreografen getanzt hatte, eine radikalere Frage: Muss Tanz überhaupt aus Tanzschritten bestehen? Jérôme Bel, Boris Charmatz oder Xavier Le Roy zeigten Stücke, in denen kaum noch getanzt wird. In Frankreich nannte man das bald „non-danse“.
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Warum wir England, Frankreich, Dänemark, die Niederlande und Deutschland ausgewählt haben, warum viele der wichtigsten Choreografen nach 1945 nicht in ihrem Heimatland, sondern im Ausland arbeiteten, und wie Russland über die Waganowa-Methode bis heute nachwirkt.
Dänemark und die Niederlande
Zwei kleine Länder mit großer Wirkung: Dänemark bewahrt mit dem Erbe August Bournonvilles eine der ältesten Ballett-Traditionen der Welt, die Niederlande wurden mit dem Nederlands Dans Theater und Jiří Kylián zu einem Zentrum des modernen Tanzes in Europa.
Deutschland
Vom Neuanfang in Ost und West bis zu John Cranko in Stuttgart, John Neumeier in Hamburg, William Forsythe in Frankfurt und Pina Bausch in Wuppertal: wie sich der Tanz in den beiden deutschen Staaten nach 1945 entwickelte und was davon bis heute geblieben ist.
Impressionen aus unseren Ballett-Aufführungen
